Alien Covenant, una pieza bien encajada.

Una película interesante, llena de suspenso, con una correcta dosis de terror, reflexiones filosóficas y mucho suspenso, que además va cerrando capítulos reveladores del origen de la criatura en la saga. Consigue provocar temor y repulsión, pero también, tener una perspectiva más amplia del universo...

“Alien Covenant” es la verdadera precuela de “Alien el octavo pasajero”, aquella cinta, la primera de la saga que lo empezó todo. La historia de “Alien Covenant” sucede después de los acontecimientos narrados en la criticada “Prometheus” y revela mucho sobre una saga cuya vasta trama pretende abarcar más que su universo.

El protagonista de la película es Michael Fassbender y es un hecho que sorprende. Al principio, porque aparece a través de una escena magistral en la que es un robot, un androide con dudas existenciales que explora en una brillante charla con su creador, interpretado por Guy Pierce en un sorprendente cameo. Pero ésta escena es sublime, tiene una calidad onírica y concluye con lo que sería el pilar de la trama de esta película, el androide ha notado algo acerca de su existencia y de su creación, algo que le genera un impulso creativo que no puede detener. En oposición al ser humano que no sabe quién lo creó ni por qué está aquí, pero tiene la capacidad de crear, este androide se da cuenta que no puede morir y su creador sí. El sabe quién es su creador y cuál es su propósito, su duda existencial corre por el dilema del libre albedrío y su imposibilidad creativa; dilema humano inverso es fascinante y un potente recurso narrativo.

Después de esto, la estructura del guión es tan simple como se puede, ser sin comprometer los valores artísticos de la narrativa: Una nave colonizadora está camino a un planeta en el que van a sembrar vida, pero en el camino sufren un 
contratiempo que los obliga a reconfigur el último tramo del viaje.  Ante la trágica perdida del capitán durante el accidente, el segundo a cargo asume el mando (Billy Crudup). Pero mientras tratan de resolver su limitado rango de viaje descubren una transmisión humana viniendo desde un planeta desconocido pero cercano y perfecto para una terraformación. Ellos ven en éste la oportunidad de ganar tiempo y descubrir un nuevo planeta. Tras un debate deciden aterrizar en el susodicho planeta a expensas de encontrarse con un virus extraterrestre. 

A partir de esta decisión se desenmaraña una insufrible cadena de acontecimientos que amenaza a toda la misión y que en un principio ni siquiera tendrán una explicación para ellos. Habrá momentos sangrientos, hay momentos de angustia, de suspenso y terror, pero en esta entrega me gustó mucho que hubiera también espacio para la reflexión sobre temas como la existencia, la humanidad y la naturaleza divina. La preocupación del director en esta película no era netamente la de aterrorizar a una audiencia, más bien percibí un legítimo deseo de postear algunas interrogantes y de tratar ciertos temas metafísicos que están presentes de forma elemental.

Por otro lado acá se explora elorigen, y el propósito de esta criatura alienígena, y sus versiones predecesoras. Cómo mencionó Ridley Scott en una entrevista: "...han pasado diversos directores y diversos escritores y ninguno ha estado interesado en el origen de la criatura...". En este capítulo, la criatura alienígena se mantiene fiel a su reputación y nos devela diversas variantes basadas en diferentes estados evolutivos. Pese a ello no se ve falsa, por el contrario, las escenas de terror y los momentos mas viscerales de la película, son auténticamente crudos y chocantes.  La historia y la coherencia de la simple trama nos hace verosímil prácticamente todas las situaciones.

Aparte de Fassbender que destaca en su interpretación clara y bien construída de ambos androides David y Walter, también estaban en el reparto Billy Crudup, Danny McBride, Demian Bichir y Katherine Waterston. Con sólidas actuaciones, la tripulación del Covenant nos conmueve por algunos momentos, nos hace reír, pero sobre todo, nos asusta y pone en perspectiva nuestros más primarios temores. En conclusión es [Highly reccomended], especialmente para adoradores de la saga y medianamente fans. Muy disfrutable para el cinéfilo promedio. Recomendada para amantes del terror y recomendable también para el espectador común y corriente que busca algo no tan ligero.

Rick & Morty: la psicodelia de la ciencia ficción

Han pasado 3 años desde que descubrí la serie "Rick & Morty" una serie animada de Adult Swing cuyos personajes empezaron como una parodia de Doc Brown y Marty McFly de “Volver al Futuro”. Una broma simple y paródica que engendró un universo animado ridículamente absurdo. Su ciencia ficción elevada a la potencia de la imaginación es casi adictiva. 

Sus ocurrencias son retorcidas, extremas y sus referencias pop y metalingüisticas hacen un programa demasiado divertido, ácido y entrañable. Cualquier idea interesante que hayas podido tener, o que hayas visto antes en una serie, película, dibujo animado, libro, canción, etc o cualquier cosa que se te pudiera ocurrir está en Rick & Morty. 

Películas como “Blade Runner”, “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”, “Total Recall”, "Jurassic Park" “Aliens”, etc.  o series como “Westworld” o "Breaking Bad"“, se mencionan o referencian de alguna manera en cada episodio.

Pero más allá de todos estos artilugios técnicos, narrativos y pseudocientíficos, la serie tiene un trasfondo que encuentra analogías satíricas que critican indirectamente a la sociedad, al capitalismo, a los milennials, a los conservadores, al gobierno y a la humanidad en general. Sus ideas recorren lo filosófico, lo metafísico, la moral, las relaciones interpersonales (familiares y amicales) y la lógica; dándole matices cómicos inigualables derivados de llevar teorías o ideas al absurdo de una manera nunca antes vista. 

En cada episodio se continúa una linea narrativa canónica que parece ser la mas atractiva para los fans, pero que no descuida situaciones aisladas y extremas, sobre todo en las primeras entregas. Su tratamiento de las dimensiones paralelas es una alegoría de las consecuencias de nuestros actos, nos hace pensar en la fragilidad de nuestras vidas y de la trascendentalidad de nuestras desiciones; demostrando que las desiciones egoístas que uno toma siempre tendrán repercusiones, muchas veces nefastas, en el resto de nuestro universo aunque no queramos aceptarlo. 

La pistola de portales, es una de las herramientas mas importantes del programa, como recurso es un Mc Guffin (no sabemos como funciona y no tiene otro propósito que mover a los personajes), pero es justamente lo que le da la oportunidad a Rick de ser el sujeto más inteligente del mundo ¿o acaso el más irresponsable? Esta le permite cambiar de realidad en cualquier momento y hacia cualquier posible dimensión; el carácter infinito del multiverso, permite que cada vez que Rick sienta que no puede solucionar algo, recurra al escapismo abriendo un nuevo portal de fluido verde y dejando atrás cualquier error o aberración que no quiera enfrentar, pero las consecuencias de estos actos seguirán volviendo de alguna forma.

Morty y su familia, son personajes convencionales, sin ningún tipo de gimmick como los de Rick, pero que van evolucionando con la historia de modo que para ellos se abren también muchas posibilidades, aprenden sobre lo grande y vasto que es el universo, y eventualmente, especialmente en Morty y su hermana Summer, terminan aprovechando las circunstancias, pero a diferencia de su abuelo Rick, actuando siempre con una proclividad hacia hacer lo correcto y de proteger a su familia. Ningún personaje en esta serie es convencional, plano o predecible. Una de las virtudes de esta serie es justamente su impredictibilidad. 

Hay mucho que develar; hay viajes intergalácticos que llevan al espectador lejos, quizás mas lejos de lo que hayan ido antes, de una manera distinta y novedosa, pero siempre con la suficiente claridad en medio de su caleidoscópicas tramas, para entender qué sucede y arrancar una carcajada en el momento menos pensado.

Más irreverente que Los Simpsons, más alucinante que Gravity Falls, más ingeniosa que Futurama. Una maravilla moderna, no hay nada más absurdo, imaginativo y entretenido que esta serie, que desde la primera temporada fue una de mis favoritas y se volvió una obsesión. Si bien sus episodios contienen una fuerte carga dramática, su comedia y su ciencia ficción absurda son el pilar de las aventuras de Rick, Morty y su familia. Insuperable.

Emergency Blanket - Caras de Lima (Videoclip Oficial) #CarasdeLima

 https://youtu.be/YAA3gur8kts

George Carlin- "Everyday Expressions"

Toy Story 4 y la trama después de la trama

Toy Story 4

La última película de la saga “Toy Story 4”, es una gran película, divertida, extraña, sorprendente y entrañable. No sé si podría decir si es mejor que la 3, sin embargo, es suficientemente buena para cerrar la travesía por la que hemos venido siguiendo a estos realmente queridos personajes. A diferencia de las anteriores, en que los juguetes enfrentan crisis de identidad, de amistad, de familia, o hasta de propósito; en esta película se tratan nuevos temas: El destino, el cambio, las desiciones y el control de nuestras propias vidas. 

La película, en coherencia a sus predecesoras, es, definitivamente, la mejor en aspectos técnicos. Una de las virtudes de esta franquicia es justamente, su prolijidad técnica, correspondiente a las herramientas tecnológicas disponibles en su propia era. Y cada una, desde la primera, ha sido mejor que la anterior, consiguiendo siempre la excelencia, sea técnica, narrativa, audiovisual y conceptual. Los detalles en esta última entrega son realmente extraordinarios, desde la ropa, la profundidad de campo, y la iluminación sugestiva al servicio de la narrativa, todos los aspectos llegan a un nivel impresionante, al punto que, por momentos, nos convence de estar viendo la realidad y no una animación. 

Lo más interesante de esta historia es su osadía, teniendo en cuenta que es una película animada apta para todos, ya que se mueve entre géneros cinematográficos, ideologías en boga y hasta preguntas existenciales. Es una historia arquetípica sobre cómo enfrentar el futuro, la vejez (u obsolescencia en su caso) y la incertidumbre. Pero, por otro lado, también se trata del cambio, del paso a una nueva vida, de enfrentar los nuevos tiempos con amor y entereza, conscientemente, y del sacrificio para lograr un significado mayor y más elevado. 

Woody, siempre fue un héroe, siempre fue el favorito, siempre fue el más querido. Pero, ahora, debe enfrentar que sus días como juguete favorito se han ido y que hay otras cosas importantes para Bonnie. Sin embargo, la nobleza de ineludible de Woody, su temperamento, su coraje y su bondad, lo motivan a ayudar a Bonnie en su primer día de clases. Cuidándola como su ángel de la guarda, Woody le brinda a una temerosa Bonnie, materiales sacados de la basura para crear algo con sus propias manos, así nace “Forky” un juguete ensamblado con partes que cualquier niño puede conseguir, pero es esta expresión artística pura que le permite a Bonnie superar su primer día de escuela.

Ahora Woody, se ha puesto a sí mismo en la posición de protector y se siente responsable por la niña. Así las aventuras empezarán a darse cuando la niña pierda constantemente a Forky y sea Woody quien tenga que encontrarlo para asegurar que no se quebrante la felicidad de Bonnie. Lo gracioso es que este nuevo juguete a diferencia de los juguetes hechos en serie, no sabe qué es ni quién es, es algo torpe, frágil y hasta se ve atraído por volver a la basura, el lugar de dónde provino originalmente.

Entre las muchas aventuras que genera esta situación, estará un reencuentro con Bo Peep, un juguete de la hermana de Andy, que fue desechado. Recordemos que ella era el interés romántico del tímido Woody, y en la secuencia inicial se nos cuenta cómo ella fue desechada junto con una lámpara de noche, cuando la hermana menor de Andy ya no tenía miedo de la oscuridad. Esta vez, vemos en Bo Peep a una mujer segura, independiente y con mucha determinación, muy distinta a aquella dama más recatada pero segura de sí misma, que vimos en la segunda parte. Bo Peep es algo así como un evidente ícono feminista, empoderado con el tiempo, pero desarrollado con mucha elegancia.

Por otro lado, está la antigua y algo tétrica muñeca Gabby Gabby, un personaje muy interesante, con su propia trágica historia. Ella junto a sus secuaces, unos muñecos de ventrílocuo bastante perturbadores, gobiernan la tienda de antigüedades donde terminan los personajes. Esta tienda y toda la secuencia delinean una atmósfera de terror y misterio. Gabby Gabby eventualmente secuestra a Forky con el fin de atrapar a Woody y quitarle su dispositivo de voz, el cual ella tiene malogrado. Es esta carencia la que la colocó en esta tienda en primer lugar y fue abandonada por su antigua dueña, que creció y la olvidó. Algo curioso es cómo este personaje, progresa pasando de ser un villano a un alma herida en busca de redención. 

Así cuando parece que nuevamente el héroe será también el mártir, aparecen dos rumbos finales en la historia, por un lado, la elección de Woody. Esta vez, él puede elegir y tendrá que hacerlo sabiendo que las cosas han cambiado, y lo que el más temía no era el fin sino el principio de otra vida que puede ser tan plena como la que anhelaba. Termina así el arco narrativo de este amado personaje. Por fin, Woody es feliz y hace algo bueno por sí mismo. Y por el otro lado, se abre la puerta existencial, ya que, en el epílogo, es Forky quien parece que tendrá que descubrir su propósito en la vida, y cómo es que está vivo.

Finalmente, cabe notar que esta historia que viene siendo contada hace ya algunos lustros, tiene una conexión emocional innegable con dos públicos, el de las primeras películas, que entonces eran niños, adolescentes o jóvenes y ahora son adultos. Evidentemente, marcó una época en la vida de ellos. El otro público es el de las nuevas generaciones, el de los hijos de los primeros espectadores. Es por esto que padres e hijos pueden disfrutar juntos de una historia con elementos arquetípicos y muy didáctica sobre, no solo valores fundamentales y familiares, sino también sobre las adversidades y nuestra actitud hacia ellas.

WESTWORLD

Westworld: La última gran serie

Hace dos años, estaba anonadado con la serie de HBO "Game of Thrones": la osadía de su narrativa, la excentricidad de sus personajes, el nivel de producción y la pulcritud técnica me sorprendieron sin precedentes. Una serie así no llega a cada rato. Sé que han habido sobresalientes opciones como “Breaking bad” o “Lost” mucho antes, pero el misticismo, y los elementos fantásticos de “Game of Thrones” me parecían insuperables, hasta que vi “Westworld”.

Carátula de la película Westworld de 1973

Westworld es una serie de ciencia ficción basada en una película del mismo nombre del año 1973, traducida al español como “Almas de Metal” y que fue escrita y dirigida por Michael Crichton ilustre escritor del guión y de la novela en la que se basó la película “Parque Jurásico” que fuera dirigida por Steven Spielberg. Esta versión hecha para la TV. fue creada por Jhonatan Nolan, hermano del flamante director Christopher Nolan y guionista de la mayoría de sus películas (Memento, The Dark Knight e Interestelar entre otras), y su esposa la productora de TV. Lisa Joy, quien resultara una gran directora, como lo probó en el capítulo 4 de la segunda temporada. 

En este remake, la historia trata acerca de un parque temático en un futuro cercano, que está inspirado en el viejo oeste. Este mega parque de dimensiones colosales, está poblado por androides que parecen humanos, caminan hablan, interactúan y siguen su narrativa con una increíble capacidad de improvisación. Estos androides tienen cuerpos de tejido corporal (tecnología genética) por lo que son indistinguibles de cualquier se humano. La gracia de este magno parque temático es que los turistas (huéspedes) pueden pasar unos días en este ambiente simulado como si fueran vaqueros del viejo oeste. Estos huéspedes pueden interactuar con los robots (anfitriones), y dado que son indistinguibles de los humanos, los anfitriones suelen despertar en los huéspedes las pasiones más oscuras y llevar a cabo cualquier fantasía o perversión que se les ocurra, pueden enamorarse, pueden matar, pueden tener sexo, beber o simplemente pasear por el parque buscando una narrativa que les interese. De hecho una de las consecuencias de ir a Westworld es que saca la verdadera esencia de las personas, sea su lado bueno o malo. Cada día, los anfitriones que estén heridos o hayan sido estropeados por los huéspedes  son reparados y reiniciados para que vuelvan a su narrativa.

Sir Anthony Hopkins es el Dr. Robert Ford 

Entre los anfitriones principales conocemos a Dolores Abernathy una chica de campo inocente y bondadosa interpretadla magistralmente por Evan Rachel Wood que vive con su padre huésped Peter Abernathy, interpretado por Louis Herthum, una de las sorpresas actorales de la serie. También está Maeve interpretada por Thandie Newton, un androide cuyo personaje es la madamme de la taberna (ella ganó un Emmy por su actuación en la segunda temporada), también está el buen Teddy interpretado impecablemente por James Marsden, es el interés romántico asignado de Dolores, un vaquero decente y correcto. Clementine, la compañera de salón de Maeve, interpretada por la armenia Angela Sarafyan, otra de las sorpresas actorales. Además, a lo largo de la serie conocemos otros interesantes personajes. El creador de este parque, el Dr. Robert Ford, es un científico con aspiraciones artísticas, que controla cada aspecto del parque y conoce cada personaje del mismo, es  interpretado por el grandioso Anthony Hopkins. Junto a el conocemos a los que administran el parque y a otros colaboradores entre los que destacan Bernard, la mano derecha del Dr. Ford (Jeffrey Wright) y la lista no acaba: Jimmy Simpson es William y Ben Barnes es Logan, personajes relevantes en la serie.

James Marsden y Evan Rachel Wood son Teddy y Dolores 

La serie comienza mostrando cómo funciona este parque, cómo los huéspedes interactúan con los anfitriones, y muestra qué se puede hacer en este impresionante lugar. Poco a poco vamos notando que estos androides son maltratados una y otra vez para el placer de los anfitriones, que sienten que estuvieran interactuando con otras personas pero que saben que son solo máquinas. La historia se despliega en el momento en que uno de los anfitriones parece tener una falla, y es que estos androides están programados para no hacer daño a los humanos. El Dr. Ford en su afán por hacerlos más reales, más verosímiles, les ha implementado un nuevo programa que permite que desarrollen gestos y personalidad en base a sus recuerdos. El problema viene cuando uno de estos androides cuestiona su realidad y parecen recordar eventos que no debería recordar y empieza una especie de despertar de la conciencia, que ni los mismo creadores esperaban.

William y Logan: Jimmy Simpson y Ben Barnes en Westworld

Westworld es magnífica, su narrativa es atrapante pero demandante, no es una serie ligera o trivial, es más bien una serie de complejidades filosóficas que emergen de las situaciones y si no es suficiente con lo que he comentado, la serie también cuenta con la participación de Ed Harris, en lo que considero es uno de sus mejores papeles en su carrera. También está Tessa Thompson y Rodrigo Santoro, todos tienen personajes tan complejos que sus actuaciones son, cuando menos, sobresalientes. En este respecto es sabido que los creadores y productores del show (entre los que figura también J. J. Abrahams), son muy cuidadosos en prevenir que se filtren los guiones o cualquier detalle del show, a tal punto que ni siquiera los actores saben qué va a suceder en el próximo capítulo. Esto ha generado una oleada de reacciones, comentarios y reviews de fanáticos que se dedican a desglosar y analizar la serie en youtube con la finalidad de predecir lo que sucederá en próximos episodios. Un verdadero fenómeno cultural.

Ed Harris como el Hombre de Negro

La verdad, considero que esta serie está por encima de cualquier serie en la actualidad, creo que su nivel de producción, de realización, y todos los aspectos logran la excelencia narrativa y cinematográfica que requiere para sostener una premisa tan fantástica y alucinante. Pero es justamente que pese a ese nivel de dificultad, la serie se eleva por encima de cualquier otra obra que haya visto. Al riesgo de ser un fanático extremista o sonar como un lunático, pienso que esta serie es una obra de arte, a la altura de cualquier película de Kubrick o comparable a la excelencia musical de Wagner o Chopin. Es una joya contemporánea, un tesoro audiovisual que debe ser visto con atención.

Westworld Logo

Con dos temporadas perfectas a cuestas, la serie va por una tercera, que espero impacientemente el 2019.

DESPIERTA! - PSICOTÓNICOS

Animación Foo Fighters último disco

The Making of... "Concrete & Gold" by Foo Fighters: animación.

Esto es lo más sorpresivo y gratificante que he visto en YouTube desde hace mucho tiempo.
Gracias al gran Lufo por darme el dato de esta breve pero intensa animación, basada en el relato del mismísimo Dave Grohl sobre cómo se hizo el último disco, que ahora comparto. Simplemente disfruten...

"Get out"... of here! Breve reseña por Hugo Flores

Get out, de Jordan Peele, es excelente, sorpresiva, trasciende lo inesperado. Rompe los clichés del suspenso y juega con el tema interracial de un modo fantástico y siniestro, sin perder su ligereza ni su convicción. Su aparente predictibilidad es justamente su manera de sorprender. 
Me gustó el guión, peculiar y atrevido. La actuación de Kaluuya es muy convincente y empática, pero tampoco me parece tan sobresaliente como para haber conseguido una nominación al Oscar (creo que James Franco [por The Disaster artist] hubiera tenido más merecida la nominación). 

De todas maneras, Get Out es un thriller refrescante que mantiene la atención tanto por su claridad como por su rareza, y destaca por su originalidad. Con actuaciones delirantes y escenas cautivantes, esta película ofrece algo novedoso y emocionante que vale la pena experimentar. 
En el reparto destacan Daniel Kaluuya en el papel protagónico, con una interpretación idónea; Allison Williams, como la novia blanca del personaje central; Bradley Whitford, como el afable padre de la chica y Catherine Keener, como la excéntrica madre.  
Pese a ser una película de relativamente bajo presupuesto y de un tono indefinido [entre comedia negra, drama y suspenso], la cinta se coló exitosamente en cartelera y tuvo un aclamado consenso comercial y crítico. Definitivamente es una gema entre tanta película de terror insulsa que acostumbra salir periódicamente.

Descubre CIENEGUILLA

Reseña de "Pacificum, el retorno al océano" por Hugo Flores

Tenía muchas ganas de ir a ver “Pacificum: el retorno al océano” y de antemano, confiaba en su riqueza visual, pero no imaginé que sería tanto más que eso. Resultó ser una película hermosa, relevante y de gran valor científico; muy emocionante para los peruanos. “Pacificum…” explora las profundidades del Océano Pacífico en nuestro litoral y nos muestra su conexión con el ser humano, una simbiosis que existe hace miles de años. Además incorpora un análisis histórico que ofrece un panorama aún mayor. Evelyn Merino Reyna y Henry Mitrani son los productores de la película y quienes tuvieron esta brillante idea de hacer un documental que devele los misterios del mar peruano y que lo acerque a la gente.

La historia empieza en el desierto de Ocucaje en Ica y se cuenta desde el punto de vista de una voz en off femenina, tenue y sosegada. Esta dulce narradora luego alterna con la perspectiva de 4 expertos en diferentes campos: Yuri Hooker (Biólogo marino), Rodolfo Salas (Paleontólogo de vertebrados), Jose Canziani (Arquitecto y urbanista) y Belén Alcorta (Especialista en eco-turismo). Con su análisis particular, cada uno de ellos ayudará a develar algunos de los misterios sobre el pasado de la civilización peruana y su relación con el mar.  Es una historia apasionante, que mantiene su postura científica y trascendental. La película nos enseña con opiniones calificadas y nos pasea, con tomas dignas de apreciar, por lugares reveladores: huacas, templos y otras edificaciones ancestrales. Es fascinante como los protagonistas van interpretando fósiles y descifrando frisos en edificaciones antiguas de culturas costeñas, develando costumbres de los antiguos pobladores, antes de entrar decididamente en lo profundo del mar.

La dirección de Mariana Tschudi es sublime, toda la película se impregna uniformemente de una buena vibra y de un tono concientizador y optimista. Es sobrecogedor ver cine (y además peruano) contado con tal profundidad científica y con tanta delicadeza poética. Mariana analiza la historia de la costa para entender cómo fue la relación de antiguos pobladores con el mar, evidenciando el respeto y la gratitud que tenían estos por la abundancia que les brindaba el mar. Asimismo, nos advierte sobre las consecuencias de depredar o de ensuciar el océano y expone nuestra falta de conciencia. La directora utiliza mayormente tomas aéreas y acuáticas que permiten observar los comportamientos de los animales y de la tierra, con un enfoque mucho más “elevado”, porque la amplia perspectiva evidencia el paso del tiempo y nos conecta de una manera emocional con la naturaleza. Eventualmente, la película tiene éxito demostrando la estrecha conexión que tenemos con el mar y los impactos que hemos provocado en él (negativos y positivos). 

Entre los momentos mas memorables destaco, personalmente, el inicio, en que la hipnótica narración nos sitúa flotando a la deriva antes que aparezca por primera vez la vida en tiempos prehistóricos; el alucinante buceo con una bandada de minúsculos crustáceos rojos que se alimentan de plancton; las innumerables variedades de peces, anémonas y otras extrañas criaturas que se muestran (muchas de ellas recién descubiertas durante esta exploración), y las majestuosas ballenas, que son el principal símbolo de esperanza de esta cinta.

Loable en todo sentido, el esfuerzo cinematográfico es tan grande como la exploración y el análisis científico. La narrativa aporta belleza, optimismo y sentido a las imágenes que están finamente escogidas. Creo que es todo un triunfo peruano del que el mismísimo Custeau estaría orgulloso y que debe inspirar esfuerzos similares en el futuro.

Reseña de la película "The Beguiled" de SOFÍA COPPOLA

En mi opinión es una película cuyo título en español: “El seductor”, se pierde en la traducción y no le hace justicia. “The Beguiled” (algo así como: el encantamiento) es la sexta película de la talentosa cineasta Sofía Coppola, basada en la novela homónima del escritor norteamericano Thomas P. Cullinan, adaptada para la pantalla por la propia directora. Si bien no es la primera vez que se adapta esta historia al cine, pues existe una versión de 1971 con el mismo título que tiene a Clint Eastwood como protagonista, está claro que la directora hizo suya esta adaptación impregnándola de su estilo particular; consigue un film sublime con una atmósfera excepcional.

Lo primero que me llamó la atención es el hecho que se tratara de una película de época. Esta transcurre en el estado de Virginia tres años antes de las guerras de secesión en los Estados Unidos, aquella guerra civil entre los estados de la unión del norte contra los estados confederados del sur. La tensión es cada vez peor entre ambos bandos y los enfrentamientos son cada vez más constantes. 

La película empieza cuando Jane (Angourie Rice), una jovencita en busca de granos y setas para cocinar, se adentra en el bosque y en plena recolección se topa con un soldado malherido (interpretado con solvencia por Colin Farrel) que con mucha cautela le pide ayuda y le dice que fue herido gravemente en la pierna durante un combate. La joven, aunque asustada, accede a llevar al soldado a la casa, donde vive junto a otras mujeres refugiadas, con la finalidad de ayudarlo.
La enorme casona a donde llegan está en medio del bosque bajo el cuidado de Miss Martha, un ama de llaves severa pero delicada, interpretada por una finísima Nicole Kidman que me impresionó en su claridad y consistencia. Junto a ella se encuentra Edwina: Kirsten Dunst, una joven introvertida y aparentemente frágil, que secunda la responsabilidad de las jóvenes doncellas a las que ayuda a educar en modales (formalidades propias de la época) y a las que enseña francés. La mayor de las jóvenes doncellas se llama Alicia, interpretada por una sutil pero eficiente Elle Fanning, a quién ya había visto brillar en otras cintas como “Super 8”. Completan el elenco Oona Lawrence, Angourie Rice, Addison Rickie y  Emma Howard, que hacen de las cuatro jovencitas que deben hacer los deberes del hogar: trabajos de costura, recolección de frutos y practicar sus dotes musicales.

La llegada del soldado, el cabo Mc Burney interpretado con solvencia por Colin Farrel, causa un revuelo de emociones en la casa. Primero, ante la duda de qué hacer con él, siendo un soldado del bando enemigo, empiezan las interrogantes. Inclusive, tras varias reflexiones éticas sobre su deber, y a insistencia de las más jovencitas, deciden actuar de manera humanitaria, acogerlo en una habitación de la enorme casona y acomodarlo hasta que tenga suficientes fuerzas para poder irse. Pero la estadía del cabo despierta eventualmente entre las jóvenes, además de su curiosidad, celos entre ellas, que se sienten atraídas a él y parecen competir por su atención hasta que Miss Martha impone disciplina.  Determinada a acabar con el dilema y con sus escasos conocimientos de anatomía logra contener la hemorragia de la herida (con la ayuda de las dos mayores mujeres: Edwina y Alicia), para prometerle al soldad una pronta recuperación con la finalidad que se vaya lo antes posible. 

Pero se trata de un enemigo convaleciente, y las tropas aliadas  del sur recorren eventualmente la zona en busca de intrusos, esto acrecienta la angustia y la tensión de saber si el soldado logrará irse algún momento sin ser descubierto. Ellas se vuelven cómplices de su ocultamiento y poco a poco van intensificando los vínculos con el comprometedor huésped. Así, el argumento coloca a los personajes frente un mortificante dilema entre el cumplir con su deber y hacer lo que consideran lo correcto. Una vez servida esta trama, la película empieza a desarrollar la historia a través de la interacción entre sus personajes y nos presenta progresivamente las necesidades dramáticas de cada uno. Lo más interesante es cómo la directora consigue generar una empatía en la se puede experimentar la languidez y el peso del tiempo sobre esta casa. 

El guión tiene diálogos muy interesantes, precisos y en los que se distingue la formalidad de los personajes de la época y su concepción de los acontecimientos que transcurren en el exterior. Aportan contraste y elegancia. Otra de las virtudes del guión, fuera del aspecto narrativo, es la eficiencia en el uso de los escenarios, pues todo sucede en un mismo lugar. Es fascinante la manera en que la directora, con 8 actores principales y una sola locación, explota estos recursos (que podrían parecer limitaciones) a favor de la trama. Esto se sustenta en su ritmo, que siempre fluye, nunca se estanca y atrapa hasta el final. Así consigue una película redonda, convincente y muy bien realizada que llega a las entrañas.

Técnicamente la película tiene grandes virtudes como la iluminación, la cual es principalmente luz natural, lo que es coherente con la historia y su ambientación. Por momentos la oscuridad juega un papel protagónico, tanto como las malas condiciones del soldado, y le favorece a la película en todo sentido (aporta verosimilitud y angustia). Los planos de establecimiento que escoge en cada secuencia son encantadores, de una belleza natural, donde el cielo, la luz del sol y los árboles parecen testigos silenciosos de los acontecimientos que se desenvuelven en este lugar. Y la música tan tenue y lúgubre, efectiva pero casi imperceptible.

Sofía Coppola es una directora experimentada, ha podido hacer un nombre por su cuenta más allá de su evidente prestigio familiar que le hubiera podido jugar en contra si no tuviera el talento, la osadía o la clara visión. Creo que ha tenido grandes aciertos en su filmografía que le han dado su status, como "Virgin suicides" o “Lost in Translation”, pero también ha tenido otros intentos menos satisfactorios como “María Antonieta” o "Somewhere". Sin embargo, esta película la vuelve a poner en la misma categoría que sus primeros trabajos. La atmósfera melancólica, la soledad, y el contraste entre la aparentemente frágil femineidad de sus personajes y la oscuridad subyacente en su entorno, que tanto destacaron en su primera cinta, vuelven a aparecer con grandeza en esta película tan eficientemente rodada; un indiscutible acierto que no puedo dejar de celebrar y recomendar.

Reseña del album “Concrete and gold” de FOO FIGHTERS por Hugo Flores

Nada es mas complaciente, como fanático del rock, que tu banda favorita saque tres álbumes seguidos y cada uno sea mejor que el anterior. En este caso, solo había escuchado el 90% del último álbum de Foo Fighters y ya había decidido empezar este artículo, porque realmente considero que refleja un proceso de evolución extraordinario como banda y una maduración como artistas que, sin duda, se traduce en consolidación (como si fuera necesario) y trascendencia. “Concrete and gold” es el nombre de este valioso trabajo que se lanzó el 15 de setiembre del 2017 y según el líder de la banda se nutre de su perspectiva del futuro de los Estados Unidos en la candente atmósfera electoral y su crítica desesperada a la actual presidencia de Trump.

No solamente es un disco que mantiene la línea de la banda y tiene una coherencia innegable con toda su discografía, ni tampoco es sólo un disco trepidante que genera una gran cantidad de energía con sus temas “in crescendo”,  es pues, además de todo eso, una super producción con un gran nivel de elaboración y con una proyección sonora que imprime un estilo inconfundible y que consigue una fusión perfecta entre distorsión y armonía; oír estos temas tan estridentes y potentes no restan melodía ni ritmo a las canciones, por el contrario, se genera una sinergia musical que resulta en temas que parecen hasta futuristas y otros que disuelven riffs de metal con armonías un poco más delicadas, atomizando canciones difusas, coloridas y minuciosas, que usan un contraste en los acentos que imprime complejidad a las canciones.

El primer tema “T-Shirt” es uno breve, que más parece una introducción al primer tema fuerte que es “Run”. Luego  viene “Make it right” una canción de las inovadoras en el repertorio, potente y con muchas reminiscencias al disco del 2010 de los Stone Temprle Pilots, específicamente a la canción “First kiss on Mars”. Por supuesto, ya había escuchado “The Sky is a neighborhood”, que fue su segundo single y que tiene un interesante video conceptual en el que los músicos parecen estar iluminados tocando sobre el techo de una casa. Pero esos primeros temas parecían confabular en la formación de algo nuevo, como una nebulosa conformándose por la gravedad en el espacio. Justamente después de este tema, el disco fue teniendo una trepidante, emocionante y original sensación de satisfacción, los estímulos son mucho más constantes.

Me refiero a temas como “Dirty Water” o “Arrows”, que conmemoran estilos musicales de Foo Fighters en sus primeros discos, y que me recuerdan a temas como “Big Me” y “Learn to Fly”, sólo que con un giro final mucho más potente y más desarrollado. Grohl trabajó en este álbum con Greg Kurstin  un productor de música pop, que ha grabado con estrellas de la industria musical como Adele, Sia, Pink y hasta Beck, y se nota su influencia. Si bien es la primera vez que Kurstin trabaja en un disco de hard rock, su toque le aporta psicodelia y complejidad al estilo duro de Foo Fighters.

De hecho, para cuando se llega a la canción “La Dee Da” y en adelante, el disco, por momentos, pasea por territorio nuevo, como un segundo acto que parece musicalizar ciencia ficción. Los sonidos de las distorsiones son más intensos que nunca y sin embargo parecen estar atomizados en la melodía de un modo muy elegante y contemporáneo. Las canciones adquieren matices tecno futuristas y extraños, pero nunca más pop. Hay atisbos de congruencia con algunas canciones de Jack White, por ejemplo, pero aún así innovadores y refrescantes. También se sienten influencias de “The Beatles” e incluso de “Pink Floyd” en la homónima al disco “Concrete and gold”. Esto es una superproducción, pero es honesta, circunstancial, es el paso lógico de un artista que siempre está pensando en incrementar el nivel de complejidad de su obra.

Días después de haber oído el disco unas tres veces, encontré una inusual entrevista que le hace Lars Ulrich a Dave Grohl (https://youtu.be/IbL3gCIxZGA), un sueño de conversación para un rockero de mi edad que adora a Metallica y adora a Foo Fighters también. Aunque debo confesar que ser fanático de Foo Fighters es bastante más gratificante, o al menos, no es tan dramático ni desconcertante como ser fan de Metallica. Tómenlo como quieran. El punto es que en dicha entrevista muchas de las ideas que percibí en el disco me fueron confirmadas y reveladas en esta plática musical tan peculiar. Para empezar el disco incluye colaboraciones de Justin Timberlake, de Shawn Stockman: uno de los Boyz 2Men, y hasta de Paul McCartney que toca batería en el tema “Sunday Rain”. Lo único que consigue de ello Grohl con estas inusuales participaciones es un disco más elaborado, más potente, más melódico y supremamente producido, agregándole una dimensión más elevada a su discografía; este es definitivamente el disco más elaborado y producido de la banda, y el sonido más actual del rock: Es técnico, tóxico, bailable y marcador de tendencias. [by the Way: La cara de Lars mirando a Grohl declarar con emoción que trabajó con el productor de Adele no tiene precio]. 

La persona de Grohl es por supuesto, el motor de toda esta fuerza creativa y está acompañado por los músicos que siempre ha conocido y respetado, y ha quienes ha obligado a evolucionar a su ritmo. Su energía y carisma son inspiradores y contagian, al punto que su apertura recuerda la esencia del espíritu de Dimebag Darrel con el enfoque de trabajo de un técnico como Roger Waters, una apertura sublime y un talento providencial. Aún así, Grohl no tiene comparación ni desmerece a nadie, se ha hecho su propio espacio con mérito propio hace rato. Es genial que los singles sean “We run” y “The Sky is a neighborhood”, porque te das cuenta que eran señuelos potentes de gran calidad frente a los platos fuertes del disco como “Make it right”, "Dirty water", “Sunday Rain” o “Concrete and gold” temas en los que se impregna de más influencia de Kurstin, productor que el mismo Grohl admiraba y escogió eventualmente como el idóneo para este proyecto. El propio Dave Grohl define el disco como el lugar donde colisionan el extremismo del Hard Rock y la sensibilidad del Pop, comparándolo conceptualmente a lo que sería una versión del “Sgt. Pepper” por Motorhead. Taylor Hawkins, el baterista, que dicho sea de paso canta en “Sunday Rain”, lo describe como el sonido más raro y psicodélico en uno de sus discos hasta la fecha.

Definitivamente grato saborear un disco como este, después de todo lo que han hecho por el rock y por la música, la banda ofrece su trabajo más serio y profesional, y entendemos que están en su pico evolutivo (?). No dudemos que el resultado es un disco de rock tan auténtico como los primeros de la banda, pero tan evolucionado como debería para consolidar su categoría. Simplemente los mejores.

CIENEGUILLA 28 de Julio 2017 - Documental

HUAYCÁN de CIENEGUILLA

Este lugar está de película.

Alien: Covenant, una pieza bien encajada.

Una película llena de suspenso, con una correcta dosis de terror, reflexiones filosóficas y ciencia ficción, que además, va cerrando capítulos reveladores del origen de la criatura en la saga. Consigue provocar temor y repulsión, pero también nos expone a una perspectiva mas amplia de su universo.

“Alien Covenant” es la verdadera precuela de “Alien el octavo pasajero”, aquella cinta, la primera de la saga, que lo empezó todo. La historia de “Alien Covenant” sucede después de los acontecimientos narrados en la criticada “Prometheus” y revela mucho sobre una saga cuya vasta trama pretende abarcar más que su universo.

El protagonista de la película es Michael Fassbender y su personaje se presenta a través de una escena magistral, en la que un peculiar androide parece explorar sus dudas existenciales en una brillante charla con su creador (interpretado por Guy Pierce en un sorprendente cameo). Esta escena es sublime, tiene una calidad onírica y concluye con lo que sería el pilar de la trama: el androide ha notado algo acerca de su existencia, se da cuenta que no puede morir y su creador sí. En oposición al ser humano cuyo dilema es no saber quién lo creó ni por qué está aquí pero tiene la capacidad de crear, éste ser artificial sabe quién es su creador y cuál es su propósito, pero su dilema (inverso al humano) se basa en su imposibilidad de crear.

Después de esto, la premisa es tan simple como puede ser, sin comprometer los valores artísticos de la narrativa: Una nave colonizadora llena de tripulantes en estado de hibernación y conducida por Walter: un androide igual al de la primera escena, está surcando el espacio camino a un planeta en el que van a sembrar vida, pero sufren un contratiempo, un accidente severo que obliga a la tripulación a despertar prematuramente. Frente a éstas dificultades, se ven forzados a reconfigurar el último tramo de su viaje y efectuar algunos arreglos, pero en el proceso pierden a su capitán, por lo que, el segundo a cargo asume el mando (Billy Crudup). Pero mientras tratan de asimilar su situación y discuten sobre qué deben hacer, descubren una transmisión humana viniendo desde un planeta desconocido pero cercano, y perfecto para una terraformación como la que tenían que llevar a cabo. Entonces, ven la oportunidad de ganar tiempo y descubrir un nuevo planeta habitable. 

A partir de esta decisión se desenmaraña una insufrible cadena de acontecimientos que amenaza a toda la misión y que en un principio ni siquiera tendrán una explicación para ellos. Habrá momentos sangrientos, hay momentos de angustia, de suspenso y terror. Pero me gustó mucho que hubiera también espacio para la reflexión sobre temas como la existencia, la humanidad, la inteligencia artificial y la naturaleza divina. La preocupación del director en esta película no era netamente la de aterrorizar, más bien percibí un legítimo deseo de postear algunas interrogantes y ciertos temas metafísicos, presentes de forma elemental. Sobre todo, es fascinante ver al androide sufriendo dilemas existenciales y como su ansia creativa se vuelve su motivación primaria.

Por otro lado se explora el origen de este alien, y sus versiones predecesoras [Como mencionó Ridley Scott en una entrevista: han pasado diversos directores y diversos escritores y ninguno ha estado interesado en el origen de la criatura]. En esta entrega, la criatura alienígena se mantiene fiel a su reputación pero nos devela diversas variantes basadas en diferentes estados evolutivos. Pese a usar técnicas digitales no se ve falsa, por el contrario, las escenas de terror y los momentos mas viscerales de la película, son auténticamente crudos y chocantes. La coherencia de su simple trama nos hace verosímil prácticamente todas las situaciones.

Aparte de Fassbender que destaca en su interpretación clara y bien construída de ambos androides David y Walter, también estaban en el reparto Billy Crudup, Danny McBride, Demian Bichir y Katherine Waterston. Con sólidas actuaciones, la tripulación del Covenant nos conmueve por algunos momentos, pero sobre todo, nos asusta y pone en perspectiva nuestros más primarios temores. 

Obviamente la película no es perfecta, tiene uno que otro vacío argumental y elementos superfluos,  hubieron algunos momentos que me parecieron un poco forzados y sin embargo, concluyo que "Alien Covenant" es Highly reccomended, especialmente para adoradores de la saga, medianamente fans, stoners, amantes del terror y fanáticos de la ciencia ficción.

LOBSTER, película rara

Langosta: una película extraña y divertida, que derrocha originalidad y convierte el surrealismo en una metáfora más evidente, por momentos divertida y por otros curiosa, que vale la pena ver como una promesa de potencial y talento del director griego Giorgos Lanthimos.

La película trata acerca de una sociedad distópica en la que todos tienen una pareja ideal basada en algún rasgo distintivo que comparten y quienes pierden a su pareja son enviados a un lúgubre hotel en el que se les da la oportunidad de conseguir una pareja ideal en 45 días o de lo contrario serán convertidos en un animal. Durante ese tiempo, éstas personas no tienen que preocuparse por su alimentación, ni alojamiento, ni ninguna de sus necesidades básicas. Usan la misma ropa, comparten espacios públicos y hacen actividades colectivas. Pero el lugar tiene muchas reglas, como no poder insinuarse a alguien, no poder masturbarse, etc. y el incumplimiento de alguno de sus dictámenes es castigado severamente. Por supuesto, resulta difícil para muchos encontrar a una compañera(o) ideal en esos 45 días. Por otro lado, entre las actividades que realizan, los huéspedes salen a cazar personas solitarias que viven en libertad en el bosque, pero que no tienen hogar ni cabida en esta sociedad, cada vagabundo que matan les compra días extra. Así de bizarra es la premisa.

Si bien es una película de autor, peculiar y pretenciosa, también es accesible a las audiencias, no es polémica ni controversial. Su trama es extraña, pero no tanto como para incomodar. Su narrativa es coherente, pero por momentos, pierde poder de persuasión y no llega a remecer al espectador. Sus personajes son extravagantes, pero son interpretados por estrellas de Hollywood lo que le quita sabor independiente. Es una película rara pero tampoco retorcida, que podría explorar aspectos mas oscuros de la psiquis pero que se limita en su complejidad. Es una película sobresaliente, cierto, pero francamente pienso que no aprovecha completamente sus posibilidades.

El personaje principal es David, interpretado por Colin Farrel, es un hombre recientemente viudo, parco y dócil, que llega con resignación al tétrico hotel, y al que se le explican todas las reglas del lugar. Posteriormente, empieza a socializar con los demás huéspedes y a través de esas interacciones conocemos a otros extraños personajes como “El hombre que sesea” interpretado por John C. Reilly, “El hombre que cojea” interpretado por Ben Whishaw, "La mujer que sangra de la nariz" interpretada por Jessica Barden, etc, que al igual que él, están ahí para encontrar pareja y evitar que los transformen en animales. De hecho, el hermano del protagonista también estuvo ahí y no logró su cometido, por lo que lo convirtieron en un perro. Más adelante David conocerá a otros personajes como "La líder solitaria" interpretada por Léa Seydoux y "La corta de Vista", por Rachel Weisz.

Esta es la segunda película que veo del ateniense Giorgos Lanthimos, después de la notable “Dogtooth”. En aquella cinta, un padre de familia sobre protector y extremista tiene a su familia confinada en una enorme casa, sus hijos nunca han salido del recinto y no conocen el mundo exterior, no tienen T.V., no tienen teléfono ni leen noticias, todas sus costumbres son las que el maquiavélico padre les permite tener. La demencia del patriarca llegaba a extremos en los que les hacía creer a sus hijos que los aviones que surcaban el cielo en realidad eran diminutos o que la palabra teléfono significaba “sal de mesa”. En esa película, el director griego emerge exitoso porque no se cuida en su construcción, no se contiene en su extravagancia ni utiliza artilugios comerciales par agregar valor a su obra, se siente autréntica. En el caso de “Langosta”, como ya mencioné, hay una red de seguridad que no permite obtener la emoción y la autenticidad de su predecesora, especialmente, para quién como yo la disfrutó.

Pero “Langosta” tiene también virtudes que la destacan sobre cualquier cinta convencional, ahí tenemos, por ejemplo, su fotografía, su guión surrealista, su sentido del humor ácido y hasta su dirección de arte. Pero definitivamente, como argumento principal de su atractivo está su rareza. Por lo general, una buena película rara emociona porque se vuelve impredecible y nos adentra en una travesía, nos lleva a un lugar nuevo. En este caso la trama empieza así, extravagante y compleja, sin embargo, conforme avanza, la historia pierde verosimilitud y se extingue su vanguardismo. 

Mi conclusión es que vale la pena verla pese a sus falencias, especialmente si no has visto “Dogtooth” (que recomiendo ver después de Lobster), y reafirmo mi entusiasmo por la próxima película de Lanthimos (posiblemente en Cannes). Recomendable para el cinéfilo promedio y medianamente recomendable para adoradores de Charlie Kauffman.

Coherence

COHERENCE es una película sumamente interesante, peculiar y fascinante, con un guion extrañamente atrapante, un argumento caleidoscópico, y una trama que no requiere de clichés o efectos especiales para generar suspenso y mantener al espectador, por momentos, al borde de su asiento.

Un grupo de amigos se reúne una noche en la que un cometa está pasando cerca a la tierra. Algunos de ellos parecen algo preocupados por el paso del astro y uno de ellos comenta acerca de un suceso que tuvo lugar hace años cuando, justamente, un cometa pasaba cerca a órbita terrestre y provocó extraños comportamientos entre la gente. Incluso una mujer confesaba que  había matado a su esposo, pero este estaba vivo y ella decía que era un impostor. ¿Será posible que esto pase también esta vez?

A partir de acá se desteje la velada con una conversación casual entre todos los personajes, que nos permite conocerlos superficialmente. Durante gran parte de la película los personajes divagan, aparentemente, sobre temas cotidianos afectados por el acontecimiento estelar. Lo interesante de COHERENCE es su rareza y sus diálogos metafísicos, a veces (irónicamente) incoherentes y a veces fascinantes, pero extremadamente bien engarzados. Además, la trama consigue, a través de originales explicaciones de reforzamiento del argumento, llevar a que el espectador se pregunte qué pasará después. 

Por otro lado, creo que COHERENCE no es una película de ciencia ficción, pero tiene elementos del género, como los sustentos científicos y el juego semántico detrás del pragmatismo de hipótesis o teorías populares. Es, más bien, una película de suspenso peculiar, un thriller que trata de metafísica y psicológía, y hasta cierto punto es un ejercicio experimental exitoso de eficiencia narrativa que mediante su complejidad cautiva al espectador ofreciendo impredecibilidad e interés.

El director estadounidense James Ward Byrkyt dirige su guión co-escrito con Alex Manugian y le saca provecho a tal punto que el elenco completo consta de 8 actores, y aún así se siente como algo más elaborado que una cinta de bajo presupuesto. La actriz Emily Baldoni, quien ha participado en el reparto de varias películas y en varios programas de t.v., lidera el elenco interpretando a Emily Foxler, una mujer ordinaria que comparte una amistad con todos los demás invitados a esta reunión, y parece mortificada por alguna razón desconocida.

En resumen, COHERENCE tiene éxito por eso mismo, porque tiene una trama coherente dentro de toda la caprichosa ficción que entreteje y finalmente logra superar los obstáculos narrativos para hacer avanzar al espectador en la historia y presentar situaciones que recuerdan al thriller o a las películas de misterio. Incluso se siente por ratos como un puzzle, similar a juegos de pistas para encontrar al culpable, sin embargo, al no haber un mayordomo ni una realidad lógica sobre la cual indagar, se vuelve un terreno nuevo que el espectador siempre estará dispuesto a explorar.

Calificación: HIGH-ly Recommended.